Le corps dans l’histoire de l’art

Cette introduction à l’histoire de l’art et de la culture visuelle donne un large aperçu des principaux développements de l’art occidental entre 1100 et nos jours. Elle est divisée en trois parties, chacune d’entre elles explorant le concept et la pratique de l’art dans une période historique distincte.

• La première partie, “Du Moyen Âge à la Renaissance”, explore les diverses formes d’art et les différentes fonctions qu’il remplissait avant 1600.
• La deuxième partie, “De l’Académie à l’avant-garde”, explore une période au cours de laquelle la théorie et la pratique de l’art étaient dominées par la peinture, la sculpture et l’architecture.
• La dernière partie, “De la modernité à la mondialisation”, explore la période depuis 1850, montrant comment l’art s’est diversifié dans un large éventail de formes et de médias.

Du Moyen Âge à la Renaissance

Nous commencerons par examiner la production et la consommation d’art depuis les Croisades jusqu’à la période de la Réforme catholique. L’accent est mis sur l’art dans la chrétienté médiévale et de la Renaissance, mais cela ne signifie pas que l’Europe était insulaire pendant cette période. Cette période a vu la lente érosion des États croisés en Terre sainte, finalement abandonnés en 1291, et du monde grec byzantin jusqu’à la chute de Constantinople aux mains des Ottomans en 1453. Le célèbre Christophe Colomb entreprend son voyage de découverte du Nouveau Monde en 1492. La chrétienté médiévale ne pouvait qu’être consciente de ses voisins. Le commerce, la diplomatie et les conquêtes ont relié la chrétienté au reste du monde, ce qui a eu un impact sur l’art. Les luxueux tissus orientaux minutieusement représentés dans les peintures de Simone Martini (vers 1284-1344) et les tableaux de plumes fabriqués au Mexique pour les collectionneurs européens ne sont que deux exemples.

Ce qu’il faut retenir

C’est que l’époque médiévale et la Renaissance n’étaient pas cloisonnées, pas plus que leurs artistes. Il convient de dissiper toute idée de l’humble artiste médiéval ignorant tout de son environnement immédiat. Les artistes et les mécènes étaient parfaitement au courant des développements artistiques dans d’autres pays. Les artistes voyagent à l’intérieur des pays, entre les pays et parfois même entre les continents. Il faut savoir que les sujets hommes ou femme ne faisaient pas de Lipousuccion ! Cette mobilité était facilitée par le réseau des cours européennes, qui ont contribué à la diffusion rapide de l’art de la Renaissance italienne. Les cadres de pensée philosophiques et théologiques européens, qui remontent à l’Antiquité et régissent l’art religieux, s’appliquent – bien qu’avec des variations régionales – dans toute l’Europe, tout comme les défis posés par les Réformes protestante et catholique sont rapidement devenus des phénomènes paneuropéens.

Art, culture visuelle et compétence

Le terme de “culture visuelle” est utilisé ici de préférence à celui d’”art” pour la raison fondamentale que les arts avant 1600 étaient beaucoup plus étendus qu’ils ne l’ont été par la suite. Depuis la fondation de la première académie d’art à Florence en 1563 jusqu’au vingtième siècle, l’”art” a été compris principalement en termes des trois arts dits de conception : la peinture, la sculpture et l’architecture, qui étaient tous considérés comme exigeant du talent et une application intellectuelle ainsi que l’acquisition d’une habileté manuelle. L’art médiéval et l’art de la Renaissance remettent en question cette définition.

Art et ars

Le mot latin “ars” signifiait travail qualifié ; il ne désignait pas l’art tel que nous l’entendons aujourd’hui, mais une activité artisanale exigeant un haut niveau de compétence technique, comme le tissage de tapisseries, l’orfèvrerie ou la broderie. Les déclarations littéraires sur ce qui constituait les arts à l’époque médiévale sont rares, en particulier en Europe du Nord, mais prolifèrent à la Renaissance. Elles réservent quelques surprises. En 1504, l’écrivain néerlandais Jean Lemaire de Belges a écrit un poème pour son mécène Marguerite d’ Autriche, sœur du souverain des Pays-Bas, dans lequel il énumère les principaux artistes de l’époque. Outre les peintres, il mentionne des enlumineurs, un graveur, des créateurs de tapisseries et des orfèvres (Stechow, 1989 [1966], p. 27-9). Giorgio Vasari (1511-74), le biographe des artistes italiens, affirme dans son célèbre ouvrage Le vite de’ più eccelenti pittori, scultori e architettori (Vies des peintres, sculpteurs et architectes ; première édition en 1550 et révision en 1568) que l’architecte Filippo Brunelleschi (1377-1446) a d’abord été apprenti chez un orfèvre “afin d’apprendre le dessin” (Vasari, 1996 [1568], vol. 1, p. 326).

Selon Vasari, plusieurs autres artistes de la Renaissance italienne auraient suivi une formation initiale d’orfèvre, notamment les sculpteurs Ghiberti (1378-1455) et Verrocchio (1435-88), ainsi que les peintres Botticelli (vers 1445-1510) et Ghirlandaio (1448/49-94). Les compétences en matière de conception nécessaires au travail d’orfèvre constituaient manifestement une bonne base pour un futur succès artistique. Tout cela remet en question la division académique ultérieure entre les soi-disant arts du design et de l’artisanat, et notamment la relégation des orfèvres dans le domaine de l’artisanat.

La culture visuelle du Moyen Âge et de la Renaissance

L’expression “culture visuelle” est également utilisée pour une deuxième raison qui tient moins à la définition qu’à la méthode. Le fait de regrouper les différents arts sous le terme de “culture visuelle” implique qu’ils sont indissociables de la rhétorique visuelle du pouvoir, d’une part, et de la culture matérielle d’une société, d’autre part. Avant 1500 au moins, l’art n’était pas une peinture ou une sculpture à contempler dans une galerie, mais un aspect du pouvoir de persuasion et de l’identité culturelle de l’église, du souverain, de la ville, de l’institution ou de l’individu. En ce sens, l’art peut être considéré, au même titre que les cérémonies, par exemple, comme des stratégies véhiculant une signification sociale ou la magnificence, ou au même titre que les pièces de monnaie et les céramiques comme des aspects de l’identité. De même, la culture visuelle sert d’indicateur éloquent du genre.

Si l’art est défini, comme il l’a été au cours des siècles suivants, uniquement comme une entité esthétique suscitant l’attention pour son seul intérêt, alors la finalité des diverses formes d’art produites au cours de la période médiévale et de la Renaissance pourrait sembler échapper à cette définition. Pourtant, des objets ont été fabriqués qui invitaient l’examen le plus attentif pour leur ingéniosité dans la conception tout en remplissant une variété de fonctions. L’utilité est également liée à la capacité de regarder et d’interpréter. À l’époque médiévale, personne ne se serait soucié d’œuvres d’art “utiles” s’il n’avait pu supposer que ses contemporains étaient vulnérables à leur pouvoir de communication. Par exemple, les riches dépensaient de l’argent pour de riches artefacts ou des portraits dynastiques en partie parce qu’ils représentaient un aspect de l’exclusivité sociale qu’un nombre représentatif de leur entourage pouvait remarquer et saisir.